Sobre Nosotros

KNUK THEATRE es una compañía de teatro international con base en Madrid - Londres y Buenos Aires.

Fue originalmente fundada por Ana Mirtha Sariego bajo el nombre "City of the Moon Theatre". En 2017 la compañía vivió un nuevo renacer con la incorporación de dos nuevos artistas: Ryan Murphy y Nicolás Greco (co-fundador), rebautizándose como Knuk Theatre.

 

Somos una compañía de creación colectiva interesada en contar historias a través del Teatro, Circo, Danza y Movimiento, con un particular interés en lo absurdo y lo excéntrico. 

Creamos un teatro visual donde el cuerpo, el espacio  y el movimiento se convierten en la herramienta principal de comunicación. Sin necesidad expresa de utilizar la palabra como motor vital para la creación de narrativas, sino como un elemento más de la expresión artística.

Para ello, la compañía explora distintos recursos dramáticos como el clown, los títeres, slapstick y el texto multilingüe. A través de ellos, interrogamos temas universales como la identidad, el amor, la pérdida o el sentimiento de pertenencia.

Creemos en un Teatro que no es sólo entretenimiento,sino que es capaz de provocar y llegar al corazón del público. Un teatro sin límites y sin miedos, un teatro que es tan imprudente que es capaz de retar las barreras del arte y de la vida misma. 

 

Como compañía, creamos con pasión y entusiasmo, como si cada día fuera la primera vez que nos juntamos en una sala de ensayo. Como si nunca antes nos hubiéramos caído y vuelto a levantar (un millón de veces).

Knuk inspira su trabajo en artistas de distintas disciplinas, entre algunos de ellos, destacan: Sammuel Beckett, Harold Pinter, Magritte, Escher, Jacek Yerka, Arvö Part, Aki Kaurismaki, Emir Kusturika, Laurel & Hardy y Charlie Chaplin. 

 

Tenemos la suerte de colaborar con maravillosos artistas internacionales como:

 

 Ryan Murphy (Reino Unido), Jorge Velasco (España)Jed Hancock-Brainerd (EE.UU), Rebecca Noon (EE.UU), Diego Akselrad (Argentina), Randy Gingsburg (EE.UU) Carlos Jiménez-Alfaro (España), Alejandro de Santos (España), Emiliano Calcagno (España), Jordi Rovira (España).

Quiénes Somos

Ana Mirtha Sariego

Fundadora de la compañía y Directora Artística

Ana Mirtha  es una actriz, directora y creadora  española con base en Londres y  en Madrid. ​

Se graduó en el 2008 en Teatro Físico y Creación Colectiva en LISPA (London International School of Performing Arts) escuela basada en la pedagogía de Jacques Lecoq y dirigida por Thomas Prattki.

Desde entonces, su amplio interés por el cuerpo dramático en el espacio escénico, la ha llevado a explorar distintas disciplinas artísticas relacionadas con el movimiento.

Completando así su formación con numerosos cursos de Circo, Danza Contemporánea, Danza Butoh, Técnica Suzuki, Técnica Laban y Teatro de Objetos y Marionetas.

Ha trabajado como actriz-creadora, directora y titiritera con distintas compañías internacionales en España, Reino Unido, Argentina y EE.UU.

Durante más de 10 años, Ana Mirtha se ha especializado en teatro de creación colectiva (tanto como actriz-creadora, como directora), pero también ha trabajado ampliamente en teatro de texto con directores españoles e ingleses.

Ha estudiado con prestigiosos profesores y artistas, entre los que destacan: Norman Taylor (École Jacques Lecoq), Lorna Marshall, Jonh Nobbs, Jaqui Carroll (Frank Theatre) ,Vanessa Ewan (Laban), Richard Emmert (Teatro Noh), Frances Barbe (Lispa.Butoh Theatre) y Christopher Sivertsen ( Song of the Goat Theatre)

Ana Mirtha es una artista apasionada por la poética del movimiento y el cuerpo en el espacio escénico.

Su interés como creadora va más allá del teatro de mero entretenimiento, y se centra en un teatro que nace de la honestidad del cuerpo del actor y su capacidad para hacer visible lo invisible, con la intención de provocar en el  espectador nuevas preguntas sobre la existencia misma así como sobre el propio Teatro. 

Como artista, cree firmemente, que sobre el escenario, " Todo es Posible" y resume su pasión por la creación con una famosa frase de su dramaturgo preferido, Samuel Beckett: "No matter. Try again. Fail again. Fail better".

www.anamirtha.com

En una instancia posterior, inicia sus estudios en la carrera de Crítica de Arte Combinadas de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires, al mismo tiempo que profundiza su investigación en el teatro de “La Otra Orilla”, cuyo Director, Omar Pacheco, se constituyó como un importante referente, que volcaría su estética hacia la capacidad narrativa del cuerpo y la imagen. En este mismo sentido, toma también como referentes a Romeo Castellucci y El Periférico de Objetos, entre otros.

Su búsqueda actual continúa siendo la poesía del movimiento y su potencial emisión de energía, la incomodidad y el desarrollo de un espectador activo, la disonancia del sonido y la imagen, y el potencial de la imagen en una cultura saturada de la misma. Sus tópicos principales rondan las problemáticas del ser, el amor, el arte y la estética.

Nicolás Greco

Co-fundador y Co-director

Nicolás co-funda su primera compañía teatral en el 2014. Con ella, comienza una búsqueda por la fusión del movimiento, la música basada en la percusión, la danza y la actuación, que tiene como resultado la obra “TACHOENGRITO”, en la que se desempeña como Co-Director e Intérprete. 

En 2015, interesado por la poesía del movimiento, comienza su formación en la Escuela Internacional CABUIA, basada en la pedagogía Lecoq, donde descubre distintas herramientas técnicas que le permitirían desarrollar su poética, de la mano de docentes  como Pablo López (LISPA, Reino Unido), Pablo Gershanik (École, Paris), Heriberto Montalvan, (LISPA, Reino Unido), Giovanni Fussetti, (Helikos, Italia) y Pierrik Malenbranche (Compagnie Philippe Genty, Paris).

Sumergiéndose en una nueva etapa de búsqueda, es convocado por el grupo performático “LA N”, interesado en la crítica del arte escénico y la literatura, e integrado por los artistas Ornella Costabile y Pablo Pellegrini, para desempeñarse como Director de Actores, Intérprete, Director de Arte y Escenógrafo. Paralelamente, se forma en Dirección y Puesta en Escena con Emilio García Wehbi.

Carlos Cegarra:

Carlos Cegarra es actor, director y pedagogo teatral. Formado en la London International School of Performing Arts con Thomas Prattki, ha ahondado en su investigación de la máscara teatral con maestros como Norman Taylor (Lassad School) Antonio Fava (School of Comic Acting), Antón Valen y Gabriel Chame (Cirque du Soleil) y Philip Gaulier. Ha llevado a cabo un estudio de la máscara ritual en la selva amazónica de Bolivia y en Bali con maestros como I Made Djimat e Ida Bagus Oka. Especializado en la pedagogía teatral por medio del uso de la máscara ha impartido clase en el Master de Danza y Artes del Movimiento de la UCAM, Murcia; en la escuela Nouveau Colombier, Madrid; y en la Escuela Internacional de Creación Teatral y Movimiento Cabuia así como en la Diplomatura de Máscaras de la Universidad de San Martín, ambas en Buenos Aires; por último ha sido profesor en la escuela Jallalla de Bolivia. Ha dirigido espectáculos en España con Enkidu Teatro como El hombre de la Arena, Sandman Returns y Teatro en 24 Horas; el espectáculo de improvisación ‘Improstores de Cine’ y ha coordinado eventos escénicos en el centro de arte contemporáneo Centro Párraga, de Murcia. En Latinoamérica ha dirigido Aurora Pampina para Teatro No Mäs, en Chile, y ha trabajado para Tabla Roja en La Paz, Bolivia. Como actor ha trabajado para compañías en el Reino Unido tales como New Art Club (The Invisible Men), Warhorse Theatre Works (Comedy of Errors), Limping Father (Herencia Española) y  the Pallela Project. En España ha actuado con Improstores, Los Nadies y Das Collectivnost, y en Argentina ha actuado con Cabuia Teatro. También ha actuado en diferentes plazas y calles de ciudades europeas con su espectáculo cómico Kung-fu Mental.

Carlos cree que el teatro de movimiento tiene la capacidad de cambiar nuestra perspectiva sobre la vida y ayudarnos a comprender las fuerzas que subyacen a todos los fenómenos del mundo, desde los nuestros conflictos más íntimos a los grandes cambios en la sociedad. Su interés se centra en crear un teatro que capture la atención del espectador gracias a una puesta en escena articulada y precisa donde el movimiento sea protagonista.

Le interesa un teatro que nos transporte y nos haga experimentar la vida de forma más intensa, y que se atreva a explorar las zonas más recónditas de nuestra existencia y de las sociedades en las que vivimos.

Jordi Rovira Añón

Escenografía, atrezzo, vestuario

Comenzó sus estudios artísticos en la Escuela de Arte y Diseño de la Massana de Barcelona, donde estudia diseño de interiores y escultura.

Graduado en escenografía en el INISTITUT DEL TEATRE de Barcelona, cuenta con años de experiencia como diseñador de interiores, escenógrafo, creador de títeres,  artista plástico e iluminador.

Actualmente ha presentado y realizado el diseño y construcción de la escenografía de la obra, "Human", texto de Pepe Castejón, dirigido por Ana Mirtha Sariego en el teatro La Vilella de Barcelona (2018), "The Trump’s" el musical, dirigido por Joan Olivé y Xavier Morató, con Mingo Rafols y Sergi Cervera en el teatro del Raval.

Sus trabajos previos incluyen: "Masculino Femenino"(2018), una adaptación de la película de J.L. Godard, dirigida por Joan Ollé en la sala Plató.diseño y montaje de "Punto de fuga o la moral del herbicida"(2016) de Maria Porras, dirigida por Eduardo Tudela, en la sala de las Eòlia, "Bai-Long" (2015), de Ana Roca en la sala Àtrium (ganadora del Premio de Beca Despierta de Nau Ivanow (2014) y "Seré carroña para los delfines que ahora me sonríen", por Aleix Duarri en la Sala Escáner, “Generación de mierda"(2014), musical de Xavier Morató, en el Teatro Regina, "Rashomón", taller de escenificación de 4º curso de interpretación en el teatro Estudio como escenógrafo, figurinista e iluminador. Es escenógrafo y figurinista de "Othello" de W.Shakespeare,dirigido por Mercè Mariné, en la sala Ovidi Montllor del Institut del Teatre, "Bonzo!!" de Aleix Duarri, "El animal moribundo" de Philip Roth, adaptado y dirigido por Marc Villanueva y "la tardor barcelonina" de Francesc Pujols, dirigido por Félix Pons en la sala la Seca, Espai Brossa.

Jorge Velasco

Actor, Bailarin y Cantante.

Jorge Velasco es un actor-cantante y bailarín español oriundo de Barcelona.

Emprendió su recorrido de pequeño en las artes a través de la música, estudiando violin y canto en el Conservatorio de Terrass.

 

Inspirado por su recorrido artístico en la música decidió ampliar sus estudios  explorando el movimiento a través de la danza y el teatro.

Formado como bailarín en BROADWAY DANCE CENTRE y actor en NANCY TUÑÓN comienzó  su desarrollo profesional en  teatro musical y danza teatro en la ciudad de Barcelona.

Entre  sus trabajos profesionales destacan: "Tot  es fun" y " Mrs Death, in diàleg amber Espiru" con la compañía L´era de les Impuxibles; " Renard o el Lliebre de les bèsties" en el Teatre Lliure y "El zoo de vidre" con el gran director Boris Rotenteintein,  "Human" con Dactilar Teatro,entre otras.

Ha trabajado internacionalmente en Nueva York, Buenos Aires, Barcelona y Madrid

Actualmente su búsqueda se centra en el teatro de creación colectiva, con el que pretende desarrollar piezas teatrales que aúnen la totalidad de las disciplinas artísticas en las que se ha formado.

http://jorgevelasco.es

 

Ross Flight

Ingeniero y Diseñador de sonido

Ross es un ingeniero de sonido inglés que ha trabajado ampliamente tanto como diseñador de sonido, técnico y profesor en una multitud de proyectos artísticos de muy diversa índole en el terreno internacional durante más de 10 años.

 

Estudió BA Hons in Creative Music Technology with Digital Arts en  UNIVERSITY OF HULL (Reino Unido).

Al finalizar sus estudios Ross comenzó a trabajar como profesor de un grado superior de sonido en Brighton. Al mismo tiempo, comenzó a desarrollar su carrera como músico y compositor tocando en diversas bandas y componiendo sus propias piezas

 A partir del 2012, Ross comenzó a trabajar para el prestigioso  Barbican Centre de Londres, gestionando todos los aspectos técnicos del Departamento de Enseñanzas Creativas. Así mismo, trabajó con el mismo centro en diversas producciones teatrales y de otras disciplinas artísticas, como diseñador y técnico de sonido. 

Desde el 2015 decidió desarrollar su carrera como autónomo colaborando como diseñador de sonido para  artistas visuales y plasticos, galerías de arte ,Compañías de Teatro, Danza y Circo. Entre algunas de ellas destacan: Wet Picnic Theatre, Leslie Deerie, Point Blank Studios, G.A.S Station, Almeida Theatre, The British Museum,  The Natural History Museum y Dactilar Teatro.

 

En el 2017 comenzó a trabajar con tecnologías interactivas, colaborando con artistas como programador, empleando MAX/msp y Arduino platforms para crear instalaciones de video y sonido a partir de: el movimiento en tiempo real de los actores/bailarines, elementos de la naturaleza, o maquinaria. 

 

Ross también ha trabajado en proyectos a gran escala como ingeniero de sonido, grabando y reproduciendo obras en vivo y podcasts.

www.rossflight.com

 

 colaboradores

Proyectos

 

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If You Shoot A Boot You Might Get Wet

El apocalipsis ha llegado y ha arrasado con casi todo, dejando nada más que un mar de chatarra y maletas... y a dos excéntricos personajes que surfean su particular día a día con el mayor positivismo posible. 

Sigue las peripecias de Flavia y Larry en su insólita aventura de supervivencia.  Una comedia existencialista con toques de surrealismo, donde lo absurdo prevalece sobre la lógica, casi siempre...

Creada en Providence (Rhode Island) en colaboración con Strange Attractor Theatre Company

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Tara Under The Weather

Tara está perdida, en muchos sentidos.  La compañía cuenta la simple y a la vez conmovedora batalla de una joven que por primera vez, decide enfrentarse a los miedos que a todos nos paralizan. En las profundidades del desconcierto, la duda y la oscuridad, también se puede encontrar luz, juego y criaturas mágicas.

Tara Under The Weather es la historia de cualquier Ser Humano y las estrategias que utilizamos para escapar de la Realidad.

Una actriz y dos titiriteros dan vida al fantástico mundo de Tara.

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Mache Ado About Nothing

Mache Ado About Nothing es una exploración de la psique humana, de nuestras relaciones y comportamientos sociales, de la comunicación más allá de las palabras y de la duda que más nos ocupa: ¿para qué estamos aquí?.

Tomando como punto de partida el corto Rat Race (Steve Cutts), Maché Ado About Nothing se desarrolla en un mundo distópico, donde la oficina se convierte en el marco en el que conviven nuestros excéntricos personajes.

Su realidad opera bajo sus propias reglas y su propio sentido de lo que es aceptado y "normalizado" 

A partir de material de oficina y utilizando títeres, malabares y movimiento, el escenario se transforma en un espacio de fantasía, dibujos y colores, donde el papel cobra especial protagonismo, convirtiéndose en un personaje más. Y donde el

teatro físico es la herramienta para revelar la locura que destripa y examina la psique humana.

 

Este proyecto se desarrolló en Madrid con la ayuda de Venezia Teatro y Centro Cultural Daoiz y Velarde  y en Londres con el apoyo del Circus Space de Londres (National Centre of Circus Arts) a través de su programa  Lab:time .

En esta colacobación internacional colaboraron: Ana Mirtha Sariego (actriz-creadora)Nicolas Greco (actor-creador), Ryan Murphy (actor-creador) y Ross Flight (diseñador de sonido)

Escuela Internacional

Actuales

Dada la naturaleza internacional de la compañía, en este momento tenemos varios proyectos en proceso de creación, esperando ser estrenados pronto: 

HOME. A JOURNEY TO THE UNKOWN: , Nicolás Greco, Ana Mirtha Sariego, Carlos Cegarra, Marta de Carvalho,  Jose Villegas,Jordi Rovira.

NO MAN´S LAND: , Nicolás Greco , Ana Mirtha Sariego, Jorge Velasco y Matt Feerick.

 

SIN LUGAR/SIN FECHA: Nicolás Greco y Pablo Pellegrini

Futuros

 

A y E: Carlos Jiménez-Alfaro and Ana Mirtha Sariego 

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PHIL y NIFLOW: Carlos Jiménez-Alfaro and Ana Mirtha Sariego.

LA TOMATINA: Jed Hancock-Brainerd, Aram Aghazarian,Rebecca Noon and Ana Mirtha Sariego.

TWO IDIOTS TELLING A STORY: Ryan Murphy and Ana Mirtha Sariego.

Las Aventuras y Desventuras de una enANA de pelo rojo: Ana Mirtha Sariego.

KNUK (The Play) : Alejandro de Santos, Carlos Jiménez-Alfaro, Gon Ramos, Ryan Murphy, Nicolás Greco y Ana Mirtha Sariego.

 

Knuk Theatre International School apuesta por la creación teatral a través de la exploración del movimiento.

Artistas de todas partes del mundo, con distinta formación en movimiento, se reúnen en la escuela para ofrecer una interesante y lúdica visión de la creación teatral enraizada en la pedagogía de Jaques Lecoq y la creación colectiva.

La escuela muestra un profundo interés en potenciar la imaginación de los estudiantes para ayudarles a encontrar su propio lenguaje artístico a través de la exploración de diferentes herramientas dramáticas.

 

Knuk Theatre School crea un ambiente seguro para impulsar a los estudiantes a experimentar y arriesgar sin el miedo al fracaso.

DEVISED THEATRE

Devised theatre - es el término inglés para denominar el teatro de CREACIÓN COLECTIVA.

 

El punto de partida puede ser un texto (teatral o no) una imagen, un tema o una idea. Cualquiera que sea el origen que de la creación, es válido siempre que el trabajo se desarrolle de manera conjunta y colaborativa, a través de improvisaciones y otras técnicas teatrales.

 

El teatro de creación colectiva está íntimamente ligado a la improvisación, siendo ésta (única y exclusivamente) una herramienta con la que construir una pieza/espectáculo perfectamente ensayado y estructurado que los actores presentarán ante un público.

 

La ensemble (o grupo de artistas) suele estar conformada por actores-creadores, pero no necesariamente se limita a éstos, muchas veces colaboran coreógrafos, directores,dramaturgos artistas visuales, compositores,etc.

 

El Devised Theatre está asciado al Teatro Físico, ya que en éste se crean piezas originales que surgen de la relación gestual de los actores en en el espacio, y que han sido elaboradas de manera totalmente grupal y colectiva.

Cursos y Talleres

Profesores

Ana Mirtha Sariego

Ana Mirtha  es una actriz, directora y creadora con base en Madrid y en Londres. 

Ha trabajado con numerosas compañías internacionales como Wet Picnic (Reino Unido), Strange Attractor Theatre (EE.UU),Finger in the Pie (Reino Unido), No Time Teatro (España), Cabuia (Argentina) o La Mirilla Teatro (España).

Se graduó en Teatro Físico y Creación Colectiva en Lispa (London International School of Performing Arts). Un programa basado en la pedagogía de Jacques Lecoq y dirigido por Thomas Prattki (quien a su vez fue el director pedagógico de la escuela de Lecoq en París durante más de 10 años tras la muerte de éste)

Ana Mirtha ha completado sus estudios en interpretación y movimiento con numerosos cursos de Danza Contemporánea, Danza Butoh, Títeres & Manipulación de objetos y Clown y Circo (Acrobacia de suelo, acrobacia en parejas, trapecio flotante, trapecio estático, palo chino, alambre, cuerda y monociclo).

Ha estudiado en escuelas como :The Circus Space (Londres),The Place (Londres) Central School of Speech and Drama (Londres), Rada (Royal Academy of Dramatic Arts) (Londres), La Cuarta Pared (Madrid) o Karen Taft  (Madrid)

Se ha formado con prestigiosos profesores de la talla de Norman Taylor (Lecoq), Lorna Marshall, Jonh Nobbs( Técnica Suzuki),Jacqui Carrol (Técnica Suzuki), Vanesa Ewan (Laban), Richard Emmert (Teatro Noh), Frances Barbe (Butoh), Marie Gabrielle-Rotie (Butoh).

 

Y ha recibido cursos con compañías como Song of the Goat, Frank Theatre y Wired Aerial Theatre Company entre otras.

Ana Mirtha

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El cuerpo poético: entorno, espacio y movimento como herramienta creativa

 

La mente se aquieta, el cuerpo se activa, la voz cobra dimensión y el imaginario se lanza. Un taller para explorar las artes escénicas sin más fin que el de descubrir las inmensas posibilidades expresivas que tenemos. Un taller de juegos, emoción, ritmo y poesía. Una introducción al teatro físico lecoquiano. Un espacio para crecer y crear.

 

-El juego teatral: energía, creatividad e imaginación.

Nos centraremos en liberar el potencial y la intuición de cada actor y actriz a través del juego teatral y de técnicas prácticas que nos ayudarán a desarrollar la creatividad individual y colectiva.

El juego nos guiará de manera espontánea, como herramienta para romper la barrera de la mente y descubrir que el teatro no tiene límites y que por tanto, nosotros, como actores, tampoco los tenemos.

 

-El cuerpo poético: entorno, espacio y movimiento como herramienta creativa.

Haremos un recorrido introductorio por los 20/21 movimientos de Lecoq, para entender las dinámicas básicas de “push” (empujar) y “pull” (tirar).

 A continuación nos centraremos en el estudio de las dinámicas de nuestro entorno, el movimiento y los ritmos a través de los cuales exploraremos estados y emociones con el último propósito de la creación de personajes.

Haremos visible lo invisible y entenderemos acción dramática teatral a través de nuestro cuerpo y su relación con el espacio.

Trabajaremos con el soporte de otras formas artísticas como la pintura, la arquitectura, escultura o la música, así como con los elementos y animales, para entender corporal e intuitivamente los principios que rigen el movimiento en la creación.

- Creación colectiva: El juego creativo y La creación grupal

El último propósito del juego teatral será la creación colectiva. En muchas ocasiones, el artista encuentra un obstáculo importante para transmitir al grupo emociones, ideas o provocaciones  que resulten útiles para la creación de una pieza teatral. Por ello, en este apartado, exploraremos los principios esenciales de la improvisación individual, por parejas o en grupo. Y aprenderemos técnicas de creación grupal con las que podremos plasmar en el espacio aquello que nuestro cuerpo (¡que no mente!) desea expresar y transmitir.

-Plataforma: Un grupo de actores (normalmente 7) cuentan una historia en el espacio reducido de una plataforma (2m de largo x1m de ancho).

Con origen en la técnica de Trateu, desarrollada por Jaques Lecoq, este género pretende traer el cine al teatro. Cómo podemos trasladar el espacio épico de la gran pantalla a un espacio teatral reducido. Aprenderemos a crear distintos planos cinematográficos  utilizando como  única herramienta nuestro cuerpo y éste mismo en relación con el de los otros actores. El género tearal de la plataforma (o trateau, en su nombre original en francés) nos ofrece un amplio entendimiento de la creación dramática de una pieza teatral y requiere un alto nivel de precisión física.

 

-Playfulness y clown: Todo gran actor es capaz de jugar, de romper las barreras del pensamiento, de mostraste tal cual es sobre un escenario. Sin límites, sin pretensiones, sin ideas preconcebidas de lo que debe ser. Simplemente SIENDO - ESTANDO.

A través del juego, recordamos ese estado primigenio en el que nos permitíamos ser nuestra esencia más pura.

El clown no es un personaje. El clown no juzga. El clown no pretende nada. El clown existe sin más. Y experimenta al máximo el aquí y ahora.

Permitámonos ser, sin necesidad de tratar de hacer reír, sin necesidad de hacer nada bien... porque no hay nada que hacer, simplemente dejar que pase. Y porque todo es posible.

Nicolás Greco

Nicolás Greco es un artista argentino con base en Buenos Aires y Madrid.

En Buenos Aires fue co-fundador de  las compañías “BoomChapaDama” y Grupo “La N” de las que fue Director  y Actor y con las que colaboró desde el 2014 al 2017.

Se graduó en la Escuela Internacional de Movimiento CABUIA (Buenos Aires). Basada en la pedagogía Lecoq.  Continuó sus estudios en movimiento, danza, acrobacia, máscaras, teatro de objetos y percusión con artistas argentinos como  Omar Pacheco, Emilio Garcia Webhi.  Profundizando su investigación en la poesía y en el movimiento.

Algunos de sus profesores fueron:  Pablo Lopez(LISPA), Pablo Gershanick (L`ecole Jacques Lecoq), Pierrik Malenbranche y Alfredo Iriarte.

Nicolás Greco

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 Ruptura de los cuerpos

La apertura del curso propone un espacio de investigación artistico descubriendo en el cuerpo una potencia creadora y narrativa, distinta al teatro tradicional. Para explorar este camino utilizaremos como riel la pedagogía Lecoq, y su formación basada en el estudio y análisis del movimiento.

Apoyandonos en leyes de la física, descubriremos distintas dinámicas de movimiento. El silencio de la palabra, la esencia del mundo circundante, el equilibrio y el desequilibrio. El movimiento de las emociones, las leyes de un espacio escénico y sus posibles contradicciones.

Un mundo profundo, lleno de interrogantes a descubrir por mismo, en fricción con el otro.

20/21 Movimientos: Analisís y observación.  Haremos un recorrido introductorio por los 20/21 movimientos de Lecoq, para descubrir las líneas de fuerza que genera el actor y cómo las mismas provocan el espacio. 

Mimodinámica o “mimismo”: Palabra que toma Lecoq del antropólogo Marcel Jousse, para referirse a la existencia de la dinámica interior de las cosas(cuerpos,materias). A través de la observación y el análisis investigaremos su transposición escénica, trabajo fundamental para el intérprete. De esta manera nos pondremos en contacto con la permanencia del “ser”.


Espacio escénico: Exploraremos las reglas del espacio escénico  para luego ponerlas a prueba. Observaremos la escena como una pintura en movimiento, que precisa de una respiración, de distintas pinceladas, colores, ritmos y trazos. ¿Cuál es el tempo, para mantener viva la pieza teatral?.


Objetos “Un mundo pequeño con posibilidades gigantes”: Este lenguaje teatral  inspira al actor en la exploración del mundo de los objetos cotidianos para desviarlos de su función y forma de utilización encontrando en ellos un nuevo sistemas de narración.
En su potencial lúdico, metafórico y alusivo, los objetos permiten al intérprete acceder a espacios únicos y particulares en el imaginario del espectador, brindándole imágenes que se alojan en su plano sensorial y formas de narración que escapan a los sistemas clásicos de relato.


 Espacio de investigación y creación de máscaras: Hundiremos nuestra imaginación en arcilla, donde tomarán forma nuestros mundos internos.  Crearemos nuestras máscaras y descubriremos cuáles son sus pasiones, sus impulsos, su carácter y su movimiento.

Tretau: Espacio reducido, que desarrolla y pone en juego la destreza. Aquí el alumno posee un espacio donde desarrollará su creatividad. Y podrá integrar las huellas de lo ya recorrido. Efectos especiales e imágenes cinematográficas. Se harán presentes en un espacio de 1 m x 1.20m.

Quick change: Nuevamente el alumno pondrá en juego su creatividad. Confeccionando vestuarios, espacios, y  personajes. A partir de un análisis de construcción física, el alumno encontrará la voz y lel cuerpo de dos y hasta tres personajes, en una misma pieza.
 

 

Galería

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Contacto

 
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knuktheatre@gmail.com

(0034)626958994 (España)

(0044)7810802938 (Reino Unido)